Viele Menschen glauben heute, dass es ausreicht, seltsame Dinge zu tun, um sich als Künstler zu bezeichnen.
Die ahnungslosen wissen nicht, dass die Meister der Moderne, die Schöpfer – sie selbst – einer echten Revolution, nicht die Absicht hatten, zu verblüffen und zu skandalisieren, und sich im Gegenteil oft große Mühe gaben, ihr Werk zu erklären.
Nach dem Malen von Les Demoiselles d’Avignon faltete Pablo Picasso die Leinwand zusammen, legte sie unter sein Bett und wollte sie in Brand stecken, um sich im Winter zu wärmen.
Vielen ist nicht bewusst, dass die Avantgarde-Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts nicht aus einer Laune heraus entstanden, die um jeden Preis originell erscheinen wollte, sondern aus einem aufrichtigen inneren Diktat derer, die das Bedürfnis hatten, neue Ausdrucksformen zu finden, die eine Welt, die sich vor ihren Augen veränderte, besser darstellen konnten. Von diesem uneigennützigen und fruchtbaren Innovationsgeist erfassen heute viele nur noch die oberflächlichsten Aspekte.
Wassily Kandinsky, Paul Klee, Kasimir Malewitch, Piet Mondrian, die Erfinder der neuen Kunst, haben Essays geschrieben, um ihr Werk zu erklären. Doch weil die Früchte ihrer Arbeit in den Augen der wohlmeinenden Bourgeoisie seltsam erschienen, glauben heute viele, sie könnten sich Künstler nennen, indem sie seltsame Dinge tun. Galerien und Museen für zeitgenössische Kunst sind voll von den seltsamsten Dingen. Als ob sich die intelligente Kreativität eines Künstlers auf diese Weise messen ließe. Die Ausstellungsorte für zeitgenössische Kunst sind zu einer Art Lazarett geworden, in dem man die jämmerlichen Zuckungen steriler Gemüter auf der Suche nach schnellem Ruhm beobachten kann.
Und so ist die zeitgenössische Kunst nach Meinung einiger: “Mädchen in Kasernen, Maler unter Wasser, Marmorspiegel. Die Schönheit der zeitgenössischen Kunst besteht darin, die Logik der Konventionen bis in ihre Grundfesten zu untergraben. Mit anderen Worten: mit Unerwartetem und Unvorhergesehen zu verführen. (…) “ So schrieb eine gewisse Laura Larcan in La Repubblica, als sie einige aktuelle Ausstellungen in Rom besprach. Die Welt ist voll von seltsamen Dingen und sie tun weiterhin seltsame Dinge. Von daher, sind Sie eher konservativ als die revolutionären Erneuerer, die sie sich gerne darstellen möchten.
Die wirkliche Herausforderung besteht heute nicht mehr darin, ständig mit Provokationen aufzuwarten, die den Menschenverstand aus dem Gleichgewicht bringen, denn der gesunde Menschenverstand wird heute ständig durch Fakten untergraben: im sozialen, politischen und finanziellen Leben. Die wirkliche Herausforderung besteht heute nicht mehr darin, zu skandalisieren und zu zerstören wie zu DADAs Zeiten, sondern zu gestalten und zu bauen. Und hier gibt es nur noch wenige.
Um die ewige und unerschöpfliche Quelle zu finden, aus der Neues entsteht, muss man manchmal zu den Ursprüngen zurückgehen.
Die Geschichte lehrt uns, dass Innovation in bestimmten Epochen bedeutet, den von den Vorgängern vorgezeichneten Weg weiterzugehen.
In der Vergangenheit gab es Künstler, die mit einer etablierten Tradition brachen und neue Horizonte eröffneten; ich denke dabei an die Werke von Giotto, Masaccio, Piero della Francesca. Auf sie folgten andere, die den von ihnen vorgezeichneten Weg fortsetzten und die Prämissen meisterhaft weiterentwickelten. Ich denke dabei vor allem an Raffaello, Tiziano, Tiepolo, Rembrandt.
Die Kunst lebt nicht vom ständigen Wandel. Um der Aufgabe gewachsen zu sein, ist es nicht immer notwendig, das Werk derer, die vor uns gegangen sind, zu entstellen, wenn das, was vor uns gegangen ist, immer noch eine Quelle für neue und fruchtbare Experimente sein kann. Es sei denn, man will nur sein eigenes kleines Ego befriedigen und nicht den Fortschritt von Kunst und Kultur. Würde man das egozentrische Kriterium der permanenten Ablehnung von Vorgängern anwenden, hätte Raffaello das Werk von Perugino meiden müssen. Cézanne, der die einschneidendste Revolution in der Kunst eingeleitet hat, würde in den Louvre gehen und Poussin “kopieren”, um zu lernen. Nur schwache Gemüter fürchten den Vergleich und begrüßen nicht die Exzellenz der anderen. Vielleicht auch, weil sie sie nicht einmal erkennen können.
Ein allgegenwärtiger, von Unwissenheit, Unfähigkeit und Bösgläubigkeit getriebener Menschenverstand denkt stattdessen, dass man, wenn man heute brillant erscheinen will, etwas tun muss, was noch niemand vor einem getan hat. Da es aber nicht so einfach ist, etwas wirklich Neues zu machen, wie viele leere Köpfe denken, endet die große Masse der Möchtegern-Schöpfer damit, dass sie inkonsequente Dinge vorschlagen: “Gimmicks und Gimmicks, die als Genieblitze verkleidet sind”, wie Fausto Melotti sagt.
Die offizielle Szene, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts das Neue nicht verstanden hat, tut heute alles, um für alle möglichen Neuerungen offen zu sein. Ständig wird alles verändert, so dass sich grundsätzlich hinter der Bühne nichts ändert.
Als es darum ging, veraltete, aber von der damaligen Bourgeoisie geliebte Kunst zu erneuern, wurden die Künstler, die nach vorne blickten, behindert. Als sie es dann wagten, durch Kunst, Architektur und Städtplanung den Blick zu weiten, indem sie gerechtere und ausgewogenere Gesellschaften vorzeichneten, wurden sie von der bewaffneten Hand der Bourgeoisie als “entartete Künstler” gebrandmarkt.
Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde versucht, eine freie und fruchtbare Entwicklung der Kunst wieder aufzunehmen, aber nur wenige verstanden, was in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts geschaffen worden war.
Ohne den immensen Umfang des Neuen und seine zahlreichen, noch Möglichkeiten zu berücksichtigen, dachten viele oberflächliche Gemüter, dass man, um Kunst zu machen, ständig alle möglichen “Neuheiten” erfinden müsse. Die so genannte Konzeptkunst, die bis an die Grenzen zu gehen schien, sorgte aber für weitere Verwirrung auf dem ohnehin schon verwirrten Kunstmarkt, da es schwierig war, eine Idee anstelle eines echten Kunstwerkes zu verkaufen.
Die Malerei war auch wenig interessant, weil die Klischees zu der Vorstellung führten, dass man über Malewitchs Weißes Quadrat auf Weiß nicht mehr hinausgehen konnte. Sie hatten nicht begriffen, dass nach diesem weißen Quadrat Mondrians Broadway Boogie Woogie die Malerei mit den lebhaftesten Farben der Welt in einer meisterhaften Komposition wiederbelebt hatte, die uns auf einer universellen Ebene viel über die Natur und das Leben erzählt. Eine Herausforderung, selbst für Insider.
Die radikalen Veränderungen, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts im Bereich der bildenden Kunst eingeführt worden waren, hatten bei einem Publikum, das sich in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts allmählich vergrößerte, für Orientierungslosigkeit gesorgt. Gegen Ende der 1970er Jahre wurde klar, dass ein System geschaffen werden musste, das die wachsende Nachfrage nach Kunst befriedigen konnte, indem es die Schwierigkeiten des Publikums, das mit einer neuen und anspruchsvollen Bildsprache konfrontiert wurde, überwand.
Man brauchte ein System, das die Produktion, den Vertrieb und den Konsum von Kunst garantierte und einen florierenden kommerziellen Ertrag sicherstellte, aber gleichzeitig den Eindruck vermittelte, dass es nicht den starren Regeln des Profits unterworfen war, sondern offen und verfügbar für alle Arten von unvorhersehbaren Neuerungen war und sich sogar ständige Neuerungen auf die Fahnen schrieb. Kurzum, die Kunst musste in kommerziell vielversprechende und voluminöse Bahnen gelenkt werden, indem sie alles mit ständiger und respektloser Überschreitung überdeckte. “Die Avantgarde als Beruf”, um noch einmal Fausto Melotti zu zitieren.
So wurde die als permanente Revolution getarnte Restauration geboren, der man den Namen “Kunstsystem” gab.
Ein System, das darauf abzielt, einen verwirrten Markt wieder zu beleben.
Ein Geschäftskomitee, das scheinbar frei und ohne Zwang ist, in Wirklichkeit aber gut durchdacht, um den unersättlichen kommerziellen Appetit zu befriedigen.
Ähnliche Verkleidungen eines Kapitalismus, der von einer dekadenten Bourgeoisie geführt wird, haben sich in den letzten Jahrzehnten auch im sozialen, politischen, wirtschaftlichen und vor allem finanziellen Leben gezeigt.
Neben den Interessen von Händlern, Galerien und Museen musste das System auch eine Wirtschaft unterstützen, die von Ausstellungen, Veröffentlichungen und Veranstaltungen lebt, mit all den dazugehörigen Branchen (Grafiker, Verleger, Drucker, Spediteure, Versicherer, Baufirmen, Rechtsanwälte, Publizisten, usw.), die kurz- bis mittelfristig Geld suchen. Um dies unter Kontrolle zu halten, konnte man nicht auf die schwankenden Launen und unvorhersehbaren Zeiten echter Künstler warten, die von Natur aus fast immer für di Zukunft arbeiten. Es war daher notwendig, eine Herde von Künstlerpersönlichkeiten zu züchten, die auf die Marktanforderungen von heute zugeschnitten sind.
“Sagen Sie den jungen Künstlern, dass der Beruf des Malers nichts mit Dilettantismus zu tun hat und absolut widerstandsfähig gegen Modeerscheinungen, Bluff oder Spekulation ist.” (Matisse)
Was das “Kunstsystem” in den Museen und Galerien für zeitgenössische Kunst heute anbietet, ist weitgehend Mode, Bluff und Spekulation. Und wie in der Vergangenheit, geben einflussreiche Kreise in der offiziellen Szene die Richtung vor, während die Kunst abseits des Scheinwerferlichts wieder einmal ihren Weg geht.
“Die Kunst ist eine Religion, ihr Zweck ist es, das Denken zu erheben.” (Cézanne)
Anstatt das Publikum zur Kunst zu erheben, haben Direktoren, Kuratoren und multinationale Kulturkonzerne die offizielle Kunst auf den kleinsten gemeinsamen Nenner reduziert, um das Publikum nicht zu verlieren, um angebliche Kunstwerke, Kataloge und Eintrittskarten für Museen zu verkaufen. Das Bestreben, die Kunst in eine für jedermann zugängliche Veranstaltungsreihe zu verwandeln, ist sicherlich nicht falsch, geht aber auf Kosten von Qualität und Substanz.
Die wiederholte Präsenz in Ausstellungs- und Medienkreisläufen vollbringt das Kunststück, aus allem ein “Kunstwerk” zu machen.
Die bemerkenswerte Fähigkeit des “Kunstsystems” besteht nicht darin, Kunstwerke zu identifizieren und vorzuschlagen, sondern vielmehr darin, die Menschen glauben zu lassen, dass alles Kunst sein kann. Dies gelingt den Kulturhändlern, indem sie Ereignisse nutzen, um einen Hype und Interesse für ein Objekt zu erzeugen, das in den Augen von Experten völlig unbedeutend sein mag.
Daraus ergibt sich die Rolle des so genannten “kreativen Kritikers”, der Synergien mit Museen, Galerien und vor allem den Medien schaffen muss, um die Illusion von Wert zu erzeugen, wo kein Wert ist. Leider lässt sich das alles nicht nachweisen, denn Kunst ist keine Mathematik, und wenn man nicht über die mächtigen und überzeugenden Megaphone des Medienzirkus verfügt, haben die Argumente – so fundiert und substanziell sie auch sein mögen – kein Gewicht. Eine “demokratische” Form der Zensur.
Ich glaube, dass solche Strategien weitgehend auf eine bestimmte nordamerikanische Mentalität zurückzuführen sind, in der der Wert von Dingen von denjenigen, die sie vorschlagen, oft so lautstark verkündet wird, dass sie in den Ohren der Zuhörer glaubwürdig sind. Ich musste eines Tages in New York schmunzeln, als ich eine Rede des damaligen Bürgermeisters Ed Koch hörte, der einer Gruppe von Anwohnern den wiederhergestellten kleinen Park am Madison Square (ein bescheidener Garten an der Kreuzung von Avenues und Straßen) vorstellte und sagte, er sei der schönste Park der Welt. Ich frage mich, ob der Bürgermeister jemals die Pariser Tuillerien, den Tiergarten oder den Hyde Park gesehen hatte. In einem Land, in dem es weniger als dreihundert Winter gibt, in dem die kulturellen Koordinaten vielfältig, aber nicht von einer langen Geschichte überlagert sind, ist das Feld offen für diejenigen, die die Menschen davon überzeugen können, dass ihre Waren die besten der Welt sind. Land der Möglichkeiten, sagten früher die Auswanderer, die ihr Glück in den USA versuchten. Warum sollte man das nicht auch mit der Kunst tun? Angesichts des kulturellen Niveaus der heutigen Tycoons, die bereit sind, ihr Geld in die Kunst zu investieren, dürfte das nicht allzu schwierig sein.
In den letzten beiden Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts wurde der Kunstmarkt zur Kunst des Marketings.
Es wurde von der Fähigkeit des so genannten “Kunstsystems” gesprochen, Wert zu schaffen, wo es keinen Wert gibt. Wenn ich ein beliebiges Objekt in ein bekanntes Museum stelle und es schaffe, das Megaphon der Zeitungen, des Radios und des Fernsehens zu erreichen, werden viele glauben, dass dieses Objekt einen bestimmten Wert haben muss. Darin liegt das schöpferische Genie der zeitgenössischen Kunstschaffenden. Quintessenz des Kapitalismus: Es geht nicht mehr nur darum, aus einem zuvor ermittelten Wert einen Mehrwert zu generieren, sondern einem Pferdekopf, einem ausgestopften Fisch oder einer Banane einen Wert zuzuschreiben, d.h. nichts, und ihn dann teuer verkaufen zu können. Darin liegt das kreative Genie. Und es gibt auch diejenigen, die aus Mangel an Salz in der Birne oder aus Bösgläubigkeit so weit gehen zu sagen, dass solche Operationen die Öffentlichkeit zum Nachdenken über Kunst anregen sollen.
Die raffinierteste Aktion in diesem Festival des nützlichen Idiot ist sicherlich die, die unter dem Akronym “bansky” inszeniert wurde. Seit Anfang der 1980er Jahre folgten weitere heiße Luftnummern unter Akronymen wie “neue wilden”, “arte povera”, “transavanguardia”, “hyperrealism” usw.
Das Hauptziel des Kunstsystems bestand darin, scheinbar prächtige und leicht verdauliche Dinge einem potenziellen Käuferpool anzubieten, der inzwischen nicht mehr aus den intelligenten, kultivierten und weitsichtigen Sammlern der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts bestand, die unbekannte Talente entdeckten, aus denen später die Matisses und Picassos wurden, sondern aus den neuen Reichen, die eher unwissend, aber gierig nach erkennbaren Objekten sind. Wie bei der Designerkleidung, dank des leicht und sofort erkennbaren Markennamens, der von bestimmten Museen und Medien angebracht wird, die an der Party mit ihrem eigenen spezifischen Profit teilnehmen. Händler, Zuhälter, Direktoren, Kuratoren und selbst ernannte Künstler spielen mehr oder weniger bewusst die Rolle des Nonkonformisten, um eine hinterhältige Gehorsamkeit gegenüber einem System zu verbergen, das nur darauf abzielt, dass man über sich und seine Anhänger spricht.
Früher wurden die Künstler nach ihren Werken beurteilt, heute werden sie nach dem Medienrummel beurteilt, den der jeweilige Künstler und seine Beschützer veranstalten. Es ist nicht wichtig, was man tut, sondern dass über einen gesprochen wird. Andererseits, wenn die Werke nichts aussagen, muss über etwas gesprochen werden.
Die Euro-US-Konsortien haben also eine Industrie ins Leben gerufen, die, ohne auf die Unwägbarkeiten der Kunst warten zu müssen, im Voraus entscheiden würde, was als Kunst zu gelten hat. Dies hätte es ermöglicht, mit einer sicheren Rendite zu investieren. Ein freier, auf Qualität bedachter Kunstmarkt, der sich an ein anspruchsvolles Publikum richtete, wurde so zu einem Kunstmarkt für alle, die über Kapital verfügten, um zu investieren. Für die Nordamerikaner, Kinder von Auswanderern auf der Suche nach ihrem Glück, ist der kommerzielle Erfolg an sich schon eine der am meisten geschätzten und respektierten Formen der Kreativität. In Ermangelung verfeinerter qualitativer Kriterien messen sie den Wert eines Gemäldes an dem Preis, zu dem es verkauft wird, und je mehr man zusammenkratzen kann, desto mehr wird es zu einem wichtigen Kunstwerk. Kunst, um über die Runden zu kommen.
Die Kunst – die wirkliche Kunst – kann warten, so wie sie es in den letzten hundertzwanzig Jahren immer getan hat.